Jedna z najsławniejszych na świecie książek o warsztacie filmowym. Autor przy pomocy setek fotografii i rysunków przedstawia w sposób jasny i zwięzły najważniejsze zasady i techniki opowiadania historii kamerą oraz związane z tym inne aspekty tworzenia filmów.

Wychodząc od pięciu centralnych tematów książki - kąty widzenia kamery, ciągłość wizualna, montaż, zbliżenia, kompozycja kadru - Mascelli krok po kroku prowadzi filmowców przez praktyczny kurs myślenia obrazem.

Książka omawia między innymi:
- czas i przestrzeń w filmie
- zasady kompozycji kadru
- punkt widzenia
- ustawienie kamery
- techniki filmowania
- montaż
- kierunki ruchu

Joseph V. Mascelli
Wszechstronny operator filmowy, autor zdjęć do filmów kinowych, dokumentalnych, szkoleniowych, telewizyjnych, reklam, seriali, kronik filmowych. Publikował artykuły o warsztacie operatorskim w magazynach fotograficznych i pismach branżowych, był redaktorem American Cinematographer Manual, wykładał na temat sztuki operatora na Uniwersytecie Loyola w Los Angeles.

Zapraszamy do lektury książki Jacka Bławuta, operatora, reżysera, dokumentalisty, którego Tadeusz Lubelski określił mianem filmowca "pochłoniętego przez ludzi".

Robię filmy, bo muszę. Tak samo jak muszę oddychać, jeść, spać. Robię filmy, bo nie znalazłem bardziej fascynującego sposobu na poznanie życia we wszystkich jego wymiarach. A film daje taką szansę. Zaprasza do poznawania.

J. Bławut (fragment wstępu)

Książka, która porusza takie problemy jak: dźwięk i akustyka, dźwięk i elektroakustyka, dźwięk i film oraz muzyka i film. Dowiedzieć się z niej można chociażby jaka jest historia dźwięku w filmie oraz w jaki sposób można wykorzystywać gotowe utwory (utwory chronione, licencje, tantiemy itp.).

Małgorzata Przedpełska-Bieniek
Jest absolwentką sekcji filmowej Wydziału Reżyserii Dźwięku Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. Od 1977 r. pracuje w kinematografii jako realizator dźwięku przy różnego typu formach audiowizualnych, pełniąc funkcje asystenta, drugiego i pierwszego operatora dźwięku, asystenta i montażysty dźwięku, konsultanta i ilustratora muzycznego oraz autora opracowań dźwiękowych filmów.

Dźwięk w filmie. Teoria i praktyka wszechstronnie bada temat dźwięku dla obrazów filmowych i produkcji telewizyjnych z naciskiem na rzeczywiste problemy i rozwiązania. Książka pokazuje, jak osiągnąć wspaniały dźwięk mimo niewielkiego budżetu, braku sprzętu i niekoniecznie idealnych warunków nagrania. Dzięki doświadczeniu autora, innych najlepszych specjalistów od dźwięku i mocnemu ugruntowaniu praktycznych technik, ta książka dostarcza przykładów wziętych z pracy na planie i odpowiednich danych technicznych, jak również oceny i zrozumienia procesów związanych z powstawaniem artystycznego dźwięku. Bada dźwięk z punktu widzenia głównych specjalistów dźwięku na planie, którzy nie tylko opisują współczesne metody pracy, ale również dzielą się praktycznymi poradami, które przeprowadzą czytelnika bezpiecznie przez mnóstwo pułapek.

David Lewis Yewdall
Montażysta dźwięku, w ciągu swej trzydziestoletniej kariery pojawił się w czołówkach ponad 145 filmów, od Ucieczki z Nowego Jorku i Coś Johna Carpentera, po Strefę Mroku, Piąty Element, Górę Dantego, Reakcji Łańcuchowej i Jednym fałszywym ruchu. Jest członkiem Wydziału Dźwięku w Academy of Motion Picture Arts and Sciences i Gildii Montażystów Dźwięku.

Film Art. Sztuka filmowa. Wprowadzenie to podręcznik niemalże kultowy, bardzo często cytowany przez wykładowców wiedzy o filmie na całym świecie. Autorzy uczą patrzenia na film w sposób całościowy, jako na pewien formalny system, którego poszczególne elementy, wchodząc ze sobą w relacje i wzajemnie uzupełniając, składają się na jego artystyczną formę i styl. Aby czytelnik mógł w pełni docenić artystyczne możliwości, jakie wiążą się z podstawowymi technikami filmowymi, autorzy skrupulatnie omawiają główne składowe filmu: metody inscenizacyjne, zdjęcia i pracę kamery, montaż oraz dźwięk. Książka Bordwella i Thompson pomaga także zrozumieć, w jaki sposób film oddziałuje na swoich odbiorców i za pomocą jakich technik twórca filmowy osiąga zamierzony przez siebie efekt. Autorzy dokładnie opisują zarówno zagadnienia związane z procesem powstawania filmu - kwestie techniczne i produkcyjne - jak i zagadnienia estetyczne, a swoje rozważania bogato ilustrują kadrami z filmów.

David Bordwell
Zdobył doktorat z Filmu na University of Iowa, ma tytuł profesora na University of Wisconcin-Madison. Wśród jego książek znajdziemy m.in. The Cinema of Eisenstein, The Way Hollywood Tells It: Story and Style in Modern Movies, On the History of Film Style, Figures Traced in Light: On Cinematic Staging, Narration in the Fiction Film. Zdobył honorowy doktorat Uniwesytetu w Kopenhadze.

Kristin Thompson
Jest honorowym członkiem University of Wisconsin-Madison. Uzyskała tytuł doktora na Wydziale Filmu tego uniwersytetu. Opublikowała m.in. Eisenstein's Ivan the Terrible: A Neoformalist Analysis, Breaking the Glass Armor: Neoformalist Film Analysis, Storytelling in the New Hollywood: Understanding Classical Narrative Technique, Storytelling in Film and Television.

Autorzy napisali wspólnie Film History: An Introduction, a razem z Janet Staiger opublikowali The Classical Hollywood Cinema: Film Style and Made of Production to 1960.

Ponad sto lat historii kina to rozwój techniki filmowej oraz sztuki opowiadania. Fabuła wypracowała kilka wzorców scenariuszowych rozpowszechnionych za pośrednictwem klasycznych książek (przetłumaczonych także na język polski). To dobrze i źle. Fabuła zunifikowała się, w jakimś sensie zglobalizowała, doszła do ściany.

Znacznie dynamiczniej przebiega ewolucja filmu dokumentalnego. Przez 2/3 historii kina dominował film krótki, dziesięciominutowy, wyświetlany w kinie jako dodatek obok kroniki filmowej. Dokument pełnometrażowy był ewenementem. Dzisiaj proporcje odwróciły się. Krótkie dokumenty to wprawki warsztatowe, to domena festiwali filmowych. Pełnometrażowe dokumenty zdobyły sale kinowe, telewizja kocha cykle i seriale dokumentalne.

Sheila Bernard widząc to zjawisko napisała książkę, trochę podręcznik, o tym jak takie długie dokumenty należy robić. O tym, że to jest OPOWIADANIE, do którego na niektórych etapach tworzenia należy podchodzić jak do fabuły... A dojście do ściany w dokumencie nie grozi....

Sheila Curran Bernard
Jest pisarką, zdobywczynią nagrody Emmy, autorką filmów dokumentalnych i fabuł, a także konsultantką projektów, które wykorzystują umiejętność budowania i opowiadania historii w mediach. Pracowała w telewizji, realizowała filmy dla HBO, dała się także poznać jako dramatopisarka czy scenarzystka. Była uhonorowana prestiżowym stypendium MacDowell Colony, wykładała na uniwersytetach w Princeton i Nowym Jorku. Trzecia edycja jej bestsellerowej książki "Film dokumentalny. Kreatywne opowiadanie" była przetłumaczona na języki portugalski, koreański i chiński - teraz dostępna jest także po polsku.

Wraz z pojawieniem się lustrzanek cyfrowych z funkcją nagrywania wideo w wysokiej rozdzielczości, fotografowie zyskali możliwość tworzenia poza swoim głównym obszarem działalności. A ponieważ wśród odbiorców stale rośnie zapotrzebowanie na ruchomy obraz, nie ma już znaczenia to, czy zamierzasz włączyć filmowanie do umiejętności swojej oferty, lecz to, kiedy to zrobisz.

W książce tej Twoimi przewodnikami po wszystkich etapach realizacji filmu – od preprodukcji do postprodukcji – są czterej weterani, którzy płynnie posługują się zarówno językiem fotografii, jak i wideo. Ich wskazówki ułatwią ci przejście ze świata statycznych zdjęć do ruchomego obrazu. Szybko nauczysz się wszystkiego, co istotne podczas przygotowywania materiału filmowego: od wyboru sprzętu, poprzez właściwe oświetlanie planu filmowego, profesjonalne nagrywanie dźwięku, korekcję koloru, techniki montażowe, zarządzanie materiałem aż po eksport gotowego klipu.

W tej bogato ilustrowanej książce i na płycie DVD autorzy omówili m.in.:
- zagadnienia dotyczące rejestrowania wideo lustrzankami cyfrowymi z funkcją filmowania, sprzęt, planowanie, oświetlanie, dobór obiektywów, nagrywanie dźwięku, montaż, korekcję koloru, eksportowanie gotowych klipów, zarządzanie materiałem
- techniki i style filmowania, włączając w to kręcenie zdjęć w pomieszczeniach i w plenerze, w studiu, podczas wywiadu i w trakcie różnych wydarzeń, a także w świetle zastanym
- aspekty techniczne związane z filmowaniem lustrzanką cyfrową z funkcją nagrywania wideo, takie jak wprawianie aparatu w ruch, rejestrowanie wydarzeń za pomocą kilku kamer, filmowanie w słabym świetle i synchronizacja dźwięku z obrazem
- inne kreatywne techniki filmowania, takie jak animację poklatkową i film poklatkowy.

Dodatkowo, aby w praktyce zademonstrować przedstawione zagadnienia, na płycie zamieszczono omawiane w książce materiały: teledysk i film dokumentalny, oraz komentarze ekspertów od fotografii przyrodniczej, sportowej, reklamowej, ślubnej i okolicznościowej.

Dołączona płyta DVD zawiera:
- filmy szkoleniowe, dokładnie omawiające zagadnienia przedstawione w książce
- wysokiej rozdzielczości materiał wideo, który można wykorzystać do ćwiczeń i eksperymentowania
- przydatne pliki i szablony ułatwiające prowadzenie projektów.

Filmowanie lustrzanką cyfrową to doskonały podręcznik nie tylko dla fotografów zainteresowanych inną odmianą sztuki wizualnej. Książką tą powinni się zainteresować także pasjonaci i półprofesjonaliści, którzy do tej pory pracowali na tradycyjnych kamerach, a chcieliby wykorzystać możliwości nowego narzędzia, jakim jest lustrzanka cyfrowa z funkcją filmowania.

(Michał Sułkiewicz, www.fotopolis.pl)

James Ball
Jest reżyserem obrazu pracującym dla HBO, National Geographic, Discovery Channel i PBS (onlinejamesball.com). Jego realizacje obejmują pełnometrażowe filmy dokumentalne i fabularne oraz reklamy.

Robbie Carman
Zajmuje się profesjonalną korekcją barwną i tonowaniem seriali telewizyjnych. Jest dyrektorem w Amigo Media (amigomediallc.com), znanym trenerem, autorem książek, a także moderatorem grup dyskusyjnych w serwisie Creative COW poświęconych lustrzankom cyfrowym z funkcją filmowania i aplikacji Apple Color. Wygłasza odczyty na konferencjach branżowych.

Matt Gottshalk
Jest szefem McGee Digital Media (mcgeedigital.com), specjalizującej się w produkcji i postprodukcji filmowej na potrzeby kina. Jest głównym oświetleniowcem i asystentem operatora pracującym dla różnych zleceniodawców i członkiem serwisu społecznościowego dvxuser.com.

Richard Harrington
Jest reżyserem, montażystą, moderatorem grup dyskusyjnych w serwisie Creative COW, członkiem NAPP Instructor Dream Team, znanym autorem książek, trenerem i wykładowcą, a także właścicielem firmy zajmującej się komunikacjaą wizualną RHED Pixel (www.rhedpixel.com).

Przewodnik po meandrach realizacji filmowej w technologii 3D w jej współczesnym kształcie. Stanowi punkt wyjścia dla doświadczonych twórców i realizatorów filmowych, którzy pragną poszerzyć swoją wiedzę o elementy niezbędne do poruszania się w technologii, która cieszy się rosnącym zainteresowaniem branży filmowej i zdobywa coraz większe uznanie wśród widzów. "Filmowanie w 3D" to jednocześnie doskonała propozycja dla wszystkich amatorów zafascynowanych stereoskopią, którzy dzięki tej pozycji zdobędą wszelkie podstawy do podjęcia prób realizacji amatorskich, studenckich czy niskobudżetowych produkcji filmowych.

Na długiej linii historii kina 3D dopiero ostatnie lata wniosły możliwości pełnego wykorzystania potencjału, jaki niesie ze sobą ta technologia. Bernard Mendiburu analizuje każdy etap produkcji od fazy developmentu, po dystrybucję filmu i wskazuje na kluczowe zasady, jakimi należy się kierować na każdym z pośrednich etapów. Zdobywszy kompleksowe doświadczenie w nowo przeobrażonym trójwymiarowym nurcie realizacji filmowej, autor podejmuje próbę konsolidacji wiedzy praktycznej i teoretycznej. Z oryginalnego wydania korzystali twórcy pierwszego polskiego filmu w 3D, a książka zawiera specjalny rozdział o polskim wkładzie w rozwój tej technologii autorstwa Andrzeja Waluka.

Publikacja Bernarda Mendiburu to brama do obszaru śmiałej eksploracji i zdecydowanego ujarzmiania trójwymiarowych koni mechanicznych.

Marzysz o srebrnym ekranie na matematyce? Układasz przemówienie na Oscary zamiast wypracowania na polski? Teraz masz podręcznik, który pomoże ci spełnić te marzenia.

Ta zabawna i praktyczna książka zabiera młodych filmowców w podróż od momentu inspiracji, aż do ukończenia krótkiego metrażu i dalej. Młodzi zapaleńcy nauczą się dzięki niej wszystkiego, co muszą wiedzieć, by zostać scenarzystą/producentem/reżyserem swojej pierwszej krótkometrażówki. Podręcznik zawiera porady i techniki przeprowadzenia burzy mózgów, scenariopisarstwa, planowania, kręcenia, montażu i marketingu. Książka pozwoli dojrzeć i zainspiruje nowe pokolenia filmowców.

W europejskich kręgach filmowych powszechne jest przekonanie, że format jest nieistotny; liczy się jedynie treść. I w gruncie rzeczy jest w tym podejściu sporo prawdy. Jednak amerykańscy scenopisarze wypracowali określony format, dzięki któremu najważniejsza jest opowiadana historia. Jest to specyficzna mieszanka ściśle określonej formy i zarazem lekkiego, łatwego stylu, zrozumiałego dla szerokiej rzeszy czytelników. Konieczność zunifikowania formatu scenariusza europejskiego wynika z jednej strony z coraz większego znaczenia bodźców wzrokowych, na które intensywnie oddziałuje telewizja i media elektroniczne, z drugiej - z prostego faktu, że warto wypracować jednolity system umożliwiający współpracę między europejskimi firmami producenckimi.

Niniejsza książka przedstawia w gruncie rzeczy format scenariusza na rynek amerykański, najbardziej dochodowy, jednak z powodzeniem może posłużyć autorom europejskim jako wzorzec, narzędzie, dzięki któremu zamkniemy naszą wizję współczesnego świata w ściśle określonej formie literackiej, jaką jest scenariusz. Lekkości dodają książce anegdoty, obrazujące funkcjonowanie filmowego światka.

Warto podkreślić, że autor wychodzi z założenia, iż czytelnik zna podstawy pisania scenariusza, takie jak budowa postaci czy konstrukcja akcji. Im większa znajomość formatu, tym bardziej precyzyjna konstrukcja, tym dokładniej oddane pomysły. Określony format nie zamyka drogi wyobraźni; pozwala jej rozwinąć skrzydła, ba, poszerza jej horyzonty.

Martin Schabenbeck
Wykładowca sztuki filmowej w New York Film Academy. Z wyróżnieniem ukończył prestiżową London (International) Film School. W Stanach Zjednoczonych pracował przy realizacji wielu produkcji filmowych. Mieszka z rodziną w Nowym Jorku.

Wyjątkowa i absolutnie obowiązkowa książka na półce każdego filmowca. Podróż po świecie narracji filmowej, ubrana w formę przystępnego i klasycznego już podręcznika. Książka zawiera wskazówki, które zaznajamiają nas z prawie każdym wyborem, którego dokona reżyser, operator, czy montażysta. Autor za pomocą przejrzystych opisów i ponad 1500 ilustracji przedstawia wizualne formy narracyjne, które pomogą wszystkim związanym z przemysłem filmowym - włącznie z producentami, scenarzystami i animatorami.

Daniel Arijon
Od 1959 roku pracuje jako montażysta, scenarzysta i reżyser filmowy. Wykładowca oraz autor licznych artykułów z dziedziny sztuki filmowej.

"Inscenizacja filmowa" jest przejrzyście napisanym podręcznikiem do reżyserii nie tylko dla początkujących. Ogólna koncepcja podręcznika oparta jest na systemie nauki inscenizacji filmowej w łódzkiej Szkole Filmowej.

Każdy zawód artystyczny wymaga rzemiosła. Nie można zostać wirtuozem skrzypiec, bez palcówek i ćwiczenia gam. Picasso, zanim namalował Guernikę, latami ćwiczył normalny realistyczny rysunek. I taka jest właśnie książka Szymczyka - uczy podstaw zawodu reżysera, uczy zasad inscenizacji. (...) Witold Szymczyk, wieloletni asystent Henryka Kluby, podpatrywał mistrza i wiele przemyśleń, idei, pomysłów profesora zostało w tej książce pokazanych. Inscenizacja płaszczyznowa, inscenizacja glębionowa, kontrplan, różne odmiany mastershotu - to pojęcia, które każdy reżyser powinien znać i umieć bez problemu wykonać. Inscenizacja filmowa to podręcznik dla wszystkich, którzy chcą robić filmy, którzy chcą zostać reżyserami. Przede wszystkim dla studentów szkół filmowych. Ale także dla amatorów, aby przestali być amatorami. Również dla profesjonalistów, aby wzbogacili swój warsztat. Zawiera bogaty materiał rysunkowy, który świetnie ilustruje omówione w tekście zagadnienia.

Robert Gliński


Publikacji Witolda Szymczyka wróżę wielkie powodzenie u studentów szkół filmowych oraz u innych ludzi zmierzających ku filmowi i mających potrzebę uporządkowania wiedzy warsztatowej. Inscenizacja filmowa to niezwykle rzetelne orpacowanie "oświetlające" film jako dzieło komplemetarne i wielopłaszczyznowe. Ta książka będzie jak latarka podczas nocnej wyprawy w góry, pomoże znaleźć drogę...

Jan Jakub Kolski

Poradnik dla początkujących tłumaczy filmowych, którzy chcą poznać tajniki warsztatu tłumacza filmowego. Jego autorka, Grażyna Adamowicz-Grzyb, podpowiada, na co należy zwrócić uwagę w trakcie pracy nad filmem, jak uniknąć podstawowych błędów i czym kierować się podczas tłumaczenia. Jako suplement - dodano rozdział o pracy lektorów telewizyjnych i filmowych.

W poszczególnych rozdziałach omówiono:
- podstawowe zasady tworzenia napisów do filmów,
- zagadnienia związane z redakcją tekstu,
- sposoby skracania tekstu i uzyskiwania jasnego przekazu,
- ciekawostki i dodatkowe informacje związane z problematyką tłumaczeń audiowizualnych.

W poradniku zamieszczono wiele przykładów z różnych filmów, które mogą służyć pomocą początkującym tłumaczom podczas samodzielnego opracowywania napisów.

(...) Nie używaj zbyt specjalistycznego słownictwa. Podczas tłumaczenia filmów obowiązuje taka sama zasada jak w Public Relations czyli komunikat ma być przystępny i jasny w zasadzie dla każdego. Hydraulik powinien zrozumieć tekst o meteorologii, a meteorolog - tekst o giełdzie.

Nie mów np.: artykuł ukazał się na jedynce (czyli w gazecie na pierwszej stronie). Chyba niewiele osób pojmie w lot żargon dziennikarski. Akcja w filmie zazwyczaj płynie wartko i widz nie ma czasu na zastanawianie się nad jakimś niezrozumiałym lub zrozumiałym tylko dla nielicznych sformułowaniem.

(...) Podobnie ma się sprawa z tzw. "setką" w filmie dokumentalnym. W języku filmowców, pojęcie to oznacza takie nagranie wypowiedzi bohatera, na którym widać go i słychać. Najczęściej mówi "do kamery". Jeśli bohatera nie widać, a słychać tylko jego głos, nazywamy to off-em. Osobom spoza świata filmowego pojęcie to jednak nie musi być znane i słowo "setka" może kojarzyć się z czym innym.

(fragm. rozdziału: Tłumaczenie i redagowanie napisów, s. 40)

To przełomowa książką, która wyjaśnia, jak kolor wpływa na widownię i narrację, postaci oraz rozwój scen. Bellantoni, która ma za sobą lata badań nad wpływem kolorów na zachowania, zebrała ponad 60 filmów i pogrupowała je w strefy wpływów sześciu głównych kolorów. Za pomocą subtelnych fotosów filmowych i dzieł sztuki wyjaśnia, jak każdy z tych kolorów uruchamia konkretne stany emocjonalne i reakcje widzów, służąc również do wzmocnienia i zwielokrotnienia emocji postaci. Autorka tłumaczy każde dzieło filmowe, wyjaśniając jak, dlaczego i gdzie kolor odzwierciedla i wpływa na emocje, zarówno postaci na ekranie, jak i wśród widowni.

Dyskusje z przyjaciółmi autorki, między innymi z laureatami Oscara, scenografami Henrym Bumsteadem (Bez przebaczenia), Robertem Boylem (Sprawa Thomasa Crowna), Wynn P. Thomasem (Piękny umysł) i Larrym Paullem (Łowca androidów), jak również uznanymi operatorami Rogerem Deakinsem (Skazany na Shawshank), Edwardem Lachmanem (Daleko od nieba), Johnem Sealem (Angielski pacjent) i Amy Vincent (Rozlewiska uczuć) wyjaśniają, jak kolor przekazuje to, co nie zostało wypowiedziane i odkrywają jak i dlaczego rozmówcy dokonali konkretnych wyborów kolorystycznych, zarówno świadomie, jak i instynktownie.

Jeśli to fiolet, ktoś umrze - Teoria koloru w filmie to lektura niezbędna dla filmowców, studentów szkół filmowych i wszystkich zainteresowanych kinematografią. Ta wspaniała książka pomaga profesjonalistom dokonywać właściwych wyborów kolorystycznych dla ich filmów i pozwala hobbystom odpowiedzieć na pytanie, dlaczego czują to, co czują, gdy oglądają filmy, które utrzymane są w konkretnych gamach kolorystycznych. Bellantoni wykorzystuje swoje doświadczenie i badania by zademonstrować, jaką moc może mieć kolor i pobudzić naszą świadomość na barwy, które nas otaczają i sprawiają, że czujemy, zachowujemy się i reagujemy w określony sposób.

Patti Bellantoni
Wykładowczyni w Conservatory of the American Film Institute w Los Angeles, gdzie prowadzi zajęcia z koloru i narracji wizualnej dla reżyserów, operatorów, scenarzystów i scenografów. Wykładała również w Center for Understanding Media w Nowym Jorku. Udzielała się jako konsultant w Stanowym Departamencie Edukacji w Nowym Jorku. Zajmowała się designem w Kalifornijskim Uniwersytecie Stanowym w Los Angeles. Nauczała o kolorze i komunikacji wizualnej w Szkole Sztuk Wizualnych w Nowym Jorku. Jej fachowe porady wykorzystano przy The Man on Lincoln's Nose, nominowanym do Oscara dokumencie poświęconym jej mentorowi, czterokrotnie nominowanemu do Oscara Robertowi Boyle'owi.

Storyboardy (inaczej scenorysy) stanowią podstawę wielu produkcji audiowizualnych i wizualnych - programów telewizyjnych, filmów, reklam, zwiastunów (trailerów), teledysków, gier komputerowych, animacji oraz ogłoszeń drukowanych. Są nieodzownym elementem procesu kreatywnego. Wykorzystuje się je, by przedstawić pomysł, przekazać koncepcję, oszacować budżet lub zaplanować cały proces produkcyjny.

Ta książka to podstawowy podręcznik tworzenia storyboardów oraz ich optymalnego wykorzystania, bogato ilustrowany przykładami zarówno ukończonych dzieł, jak i rysunków na poszczególnych etapach pracy, autorstwa studentów i profesjonalistów. Ten wszechstronny przewodnik stworzony z myślą o początkujących storyboardzistach, stanowi jednocześnie nieocenioną pomoc dla wszystkich, którzy mają do czynienia z produkcją medialną. Dowiesz się z niego nie tylko, jak udoskonalić pracę storyboardzisty, lecz również, jak usprawnić cały proces tworzenia storyboardów. Dzięki zadaniom praktycznym i ćwiczeniom interaktywnym rozwiniesz umiejętność szkicowania, nauczysz się, jak zmieniać style, gdzie szukać inspiracji oraz jak interpretować scenariusz bądź wymagania zleceniodawców. Poznasz język storyboardów oraz specyfikę i ograniczenia poszczególnych mediów. Nauczysz się budować sceny, planować ujęcia, zrozumiesz znaczenie kompozycji, kadrowania oraz ciągłości wizualnej.Dowiesz się, jak przygotować własne miejsce do pracy oraz otrzymasz wskazówki, jak dołączyć do grona profesjonalistów.

Giuseppe Cristiano
Słynny włoski rysownik, ilustrator, reżyser i storyboardzista. Jest autorem storybordów do teledysków, reklam, filmów fabularnych i animowanych oraz produkcji multimedialnych. Projektował również scenografię teatralną i filmową. Od wielu lat współpracuje z wieloma firmami ze Stanów Zjednoczonych, Wielkiej Brytanii, Włoch, Francji, Niemiec, Hiszpanii i Skandynawii. Giuseppe prowadził także zajęcia ze storyboardingu dla filmu i telewizji w europejskich szkołach artystycznych i filmowych.

Jeden z najwybitniejszych polskich twórców kina, reżyserka o światowej sławie, autorka niezapomnianych filmów Aktorzy prowincjonalni, Gorączka, Kobieta samotna, Zabić księdza, Europa Europa, Tajemniczy ogród, Całkowite zaćmienie, Plac Waszyngtona, Kopia mistrza... Wkrótce wejdzie na ekrany najnowszy jej film Prawdziwa historia Janosika. To Agnieszce Holland poświęcona jest czwarta już pozycja w cyklu LUDZIE POLSKIEGO KINA. Jej filmy są zawsze atrakcyjne, przyciągają widza opowiadaniem frapujących historii, bogatą fabułą, wyrazistym wizerunkiem postaci. Ogląda się je gładko, a jednocześnie jest w nich coś niepokojącego, długo nie pozwalają o sobie zapomnieć. Zdaniem Katarzyny Mąki-Malatyńskiej, fenomen kina Holland polega na umiejętności pozostawiania „autorskiego śladu”, otwierania filmów na „trzeci sens”, przy zachowaniu ich atrakcyjności. Autorka książki odchodzi od chronologicznego przedstawienia dzieł reżyserki na rzecz poszukiwania w nich powracających wątków, motywów, typów bohaterów. Takie syntetyczne ujęcie pozwala uchwycić wyjątkowość kina Agnieszki Holland, rodzącą się na styku realizmu i baśniowego mistycyzmu. Książkę wzbogacają ilustracje, bibliografia i filmografia, indeks osób.

Andrzej Munk – artysta zaliczany do grona najwybitniejszych twórców polskiego kina. Książka jest fascynującą opowieścią o niezwykle barwnym człowieku i czasie wprawdzie marnym, ale niesłychanie ciekawym. (Książka zawiera niepublikowane dotąd fotografie.) Munk zdążył zrealizować – zmarł tragicznie w wieku niespełna 40 lat, w trakcie realizacji Pasażerki, swego trzeciego filmu fabularnego – zaledwie kilka filmów. Za to, jakich Filmów!

„Jak wyglądałoby polskie kino z Andrzejem Munkiem w roli głównej – pyta Andrzej Wajda we wstępie książki – i jaką stratą jest jego nieobecność przez następne trudne lata, przez które musieliśmy przejść?”.

Marek Hendrykowski nie kryje fascynacji swoim bohaterem. Widzi go pośród najwybitniejszych twórców polskiej sztuki. „To grono – pisze – wyjątkowo elitarne, do którego w wieku XX przynależeli jedynie nieliczni polscy artyści wyróżniający się szczególną niezależnością: Żeromski, Wyspiański, Witkacy, Słonimski, Gombrowicz, Różewicz, Kantor, Mrożek, Dygat, Grotowski, Swinarski i niewielu innych. Klub urodzonych mitoburców. Klub nieformalny, bez składek członkowskich i bez rytualnej przysięgi, stowarzyszenie dla wyjątkowo odważnych. Munkowi jako twórcy Eroiki i Zezowatego szczęścia przypada zaszczyt absolutnego pierwszeństwa wśród rodzimych filmowców. Od niego właśnie kino polskie lat 50. i następnych dekad uczy się nie tylko sztuki racjonalnego diagnozowania, ale i kunsztu błazeńskiej terapii przeprowadzanej, w znieczuleniu śmiechem, na chorym organizmie społecznym”.

Jerzy Skolimowski, który w roku 2007, po szesnastu latach milczenia, wrócił na ekrany Czterema nocami z Anną, a w 2010 odniósł w Wenecji wielki sukces filmem Essential Killing, to człowiek i artysta niezwykle wszechstronny. W młodości bokser, poeta, dramaturg, świetnie zapowiadający się reżyser, po wyjeździe na Zachód w 1967 twórca kilku głośnych filmów, także aktor i malarz. Kiedy tworzył w Polsce swoje pierwsze filmy, był - obok Zbigniewa Cybulskiego - idolem pokolenia, „młodym gniewnym”, ucieleśniał mit outsidera i egzystencjalisty. Dziś, znów mieszkający w Polsce, jest twórcą dojrzałym, niezależnym i odrębnym. Książka Iwony Grodź w sposób kompetentny i wnikliwy analizuje dzieło tego artysty, jednego z najwybitniejszych ludzi polskiego kina.

Twórca Wojaczka to niepodlegający wpływom i modom outsider. Ze swobodą przemierza w swojej twórczości kolejne dziedziny, bada różne środki ekspresji i alternatywne wymiary narracji, rozsadzające schematy gatunkowe. Sztukę Majewskiego wysoko cenią m.in.: Werner Herzog, a także gwiazdy Hollywood: Michael York, Charlotte Rampling i Rutger Hauer, którzy zagrali w jego Młynie i krzyżu – filmie, który pozwala wejść w świat jednego z najsłynniejszych obrazów Bruegla. Biografię artystyczną Majewskiego czyta się jak pasjonującą powieść akcji – pełną dramatycznych zdarzeń i szczęśliwych zbiegów okoliczności.

Bohater tej książki nie jest zwykłym filmowcem, jest - artystą dokumentu. Na całym świecie pracuje wielu renomowanych profesjonalnych dokumentalistów, którzy każdego roku kręcą niezliczone tysiące filmów dokumentalnych. Bardzo nieliczne grono tych twórców potrafi wznieść się ponad doraźne cele swoich filmów, osiągając próg sztuki. Marcel Łoziński jest jednym z nich.

W pamięci osób, które znały Zdzisława Maklakiewicza, pozostał obraz wrażliwego i szlachetnego człowieka, kogoś, kto bezustannie szukał kontaktu z ludźmi, a w ich oczach – akceptacji samego siebie. Pod maską kpiarza i gawędziarza ukrywał wewnętrzny smutek i tragizm. Na ekranie przyszło mu grać postaci szalenie różne, nierzadko nieciekawe, czasem odrażające, ale zazwyczaj stawał na wysokości zadania, wychodząc naprzeciw oczekiwaniom reżyserów i publiczności. Najwięcej trudności sprawiała mu rola, w której sam był głównym bohaterem - życie.

Książka jednego z najwybitniejszych twórców "polskiej szkoły dokumentu", poświęcona właśnie temu gatunkowi. "Odczytać czas" to nie tylko obowiązkowa pozycja dla dokumentalistów, ale także dla wszystkich miłośników filmu.

Skończył się film dokumentalny w kinie. Zjawia się on tylko dla miłośników i pasjonatów (na szczęście jeszcze dość licznych) na paru tradycyjnych festiwalach i przeglądach. Zaś to, co oglądamy w telewizji z etykietką "film dokumentalny", jest najczęściej dalekim echem dokumentu jako rodzaju filmowego.

Kazimierz Karabasz

Kazimierz Karabasz
Jeden z najwybitniejszych twórców "polskiej szkoły dokumentu". Profesor PWSFTviT w Łodzi. W latach 1982-87 pełnił funkcję dziekana Wydziału Reżyserii Filmowej. Urodzony w Bydgoszczy. W 1955 roku ukończył Wydział Reżyserii Filmowej PWSF w Łodzi. Laureat wielu prestiżowych nagród na festiwalach filmowych w kraju i za granicą. Członek Akademii Sztuki w Berlinie. W 2008 roku uhonorowany Złotym Medalem "Zasłużony Kulturze-Gloria Artis" oraz Nagrodą za Wybitne Osiągnięcia w Filmie Dokumentalnym podczas XVI Międzynarodowego Festiwalu Sztuki Autorów Zdjęć Filmowych "Plus Camerimage".

Jeśli nie miałeś szansy, by uczestniczyć w legendarnych seminariach Bruce'a Blocka o narracji, potrzebujesz tej książki!

Ten bestseller oferuje przejrzyste spojrzenie na związki pomiędzy narracją/scenariuszem i wizualną strukturą filmu, wideo, animacji i gier. Nauczysz się, jak budować obrazy tak dokładnie, jak scenarzysta kreuje opowieść, a kompozytor muzykę. Rozumienie tej struktury pozwoli ci przekazywać nastroje i emocje, a co najważniejsze, odkryjesz decydujący związek między strukturą narracji i obrazu. Setki zamieszczonych w książce kolorowych przykładów określają te zasady jeszcze mocniej, niż tekst. Pomysły zawarte w tej pozycji pomogą scenarzystom, reżyserom, fotografom, animatorom, twórcom gier, scenografom i montażystom, którzy chcą zrozumieć i wykorzystywać strukturę wizualną.

Bruce Block
Pracował przy kreowaniu wielu filmów, seriali, reklam i animacji. Jego długometrażowe osiągnięcia to między innymi: Lepiej późno niż później, Czego pragną kobiety, Ulubieńcy Ameryki, Nie wierzcie bliźniaczkom, Ojciec Panny Młodej I & II. Współpracował jako konsultant kreatywny przy Trudnych słówkach, Lepiej być nie może, Stuarcie Malutkim i wielu innych filmach i produkcjach telewizyjnych. Jest profesorem University of Southern California's School of Cinematic Arts i prowadzi zajęcia ze struktury wizualnej w Amerykańskim Instytucie Filmowym, Studio PIXAR, Walt Disney Feature and Television Animation, Dreamworks Animation, Nickelodeon Animation Studios, Industrial Light & Magic oraz wielu szkołach filmowych w Ameryce i Europie. Block współpracuje również jako konsultant w studiach grafiki, studiach gier i firmach tworzących oprogramowanie, wykorzystujące nowe, interaktywne media.

To nietypowa artystyczna autobiografia łącząca w sobie wspomnienia, przemyślenia, filmowe sceny i dialogi, kartki ze scenopisów, podręcznik dla studentów, fotografie i rysunki, które razem tworzą obraz barwnej wędrówki w głąb siebie reżysera, pisarza, wykładowcy łódzkiej Szkoły Filmowej, grotołaza i podróżnika. Nagroda GAUDEMUS dla Najlepszego Podręcznika Akademickiego Roku 2010 Stowarzyszenia Wydawców Szkół Wyższych!

Książka Kolskiego wydaje się dla mnie idealnym spełnieniem zaleceń Leonarda da Vinci - twórz własną mapę myśli. Weź kartkę papieru - rysuj tak ekspresyjnie, jak potrafisz, wykorzystaj więcej niż jeden kolor. Baw się dobrze i nie martw się o wierność obrazu. Po kilkudziesięciu minutach czytania, już wiem, że mapa, po której wędruję dzięki Kolskiemu - to mapa życia. Tak jak mistrz Leonardo zalecał, Kolski patrzy z perspektywy na swoje marzenia, opowiada o swoich celach i podstawowych wartościach, zastanawia się nad swoim powołaniem. Potrafi oszacować to, co osiągnął, szuka powiązań, jaki i również oszacowuje strategię zmian. Zaczytany - zapominam, że osobisty pamiętnik przeistacza się w cytaty fragmentów pracy magisterskiej i doktorskiej Kolskiego, że obcuję z językiem poniekąd akademickim. (...) Nagle perełka - coś co jest szalenie bliskie - rozdział o operowaniu kamerą - nigdy nie spotkałem tak celnego opisu tej artystycznej czynności. Kolski uwielbia kadrowanie własnych filmów - ja wiem, że nie potrafię zrobić zdjęć do filmu,, nie prowadząc samemu kamery. Wielka frajda czytać te słowa.

dr hab. Ryszard Lenczewski

Jan Jakub Kolski
Reżyser, scenarzysta, operator, także pisarz. W latach 1977-81 pracował w Ośrodku TVP Wrocław jako operator. Wielokrotnie nagradzany na festiwalach w Polsce i na świecie. Od 2000 członek Europejskiej Akademii Filmowej. Wydał zbiór opowiadań "Jańcio Wodnik i inne nowele" oraz powieść "Kulka z chleba". Syn montażysty Romana Kolskiego, brat montażystki Ewy Pakulskiej. Wyreżyserował takie filmy jak "Pornografia", "Jasminum", "Wenecja".

Mówią, że o grze aktorskiej wie wszystko. Mówią, że gdyby nie ON nie zdobyliby: Oscarów, nagród Tony, Obies i Grammy. Stephen Book, bo o nim mowa — instruktor, nauczyciel oraz dyrektor wielu szkół i warsztatów aktorskich w Hollywood, tym razem przekazuje swoją wiedzę w podręczniku, który natychmiast stał się "przedmiotem pożądania" profesjonalnych aktorów oraz wszystkich marzących o karierze w tym zawodzie. Książka w ciągu kilku tygodni sprzedaży w USA wyczerpała swój pierwszy nakład!

Pierwsza i jedyna książka na polskim rynku wydawniczym adresowana do profesjonalnych aktorów, która pozwala doskonalić warsztat. Dla uczących gry aktorskiej jako lektura obowiązkowa. To doskonały podręcznik także dla amatorów i marzycieli, którzy chcieliby rozpocząć przygodę z aktorstwem. Skarbnica wiedzy dla miłośników i zapaleńców tego niezwykle fascynującego i magicznego zawodu. Umiejętność dobrej improwizacji w grze aktorskiej w trakcie wymawiania gotowego i zapamiętanego tekstu ma kluczowe znaczenie dla aktorów dzisiejszych produkcji filmowych i telewizyjnych, które przeznaczają na próby bardzo mało czasu albo w ogóle. Poprzez innowacyjną Technikę Improwizacji, Stephen Book ukazuje aktorowi, jak można grać spontanicznie stosując improwizację w tradycyjnej grze opartej o gotowy tekst w filmie, teatrze, oraz telewizji.

"Podręcznik dla aktorów..." rozpoczyna się szkoleniem na temat improwizacji. Fundamentalna zasada Book´a dotycząca improwizacji jest następująca: "Gra jest działaniem, i zawsze można zdziałać więcej". Aktor uczy się, co należy robić, aby utrzymać się w spontanicznym stanie improwizacyjnym.

Następnie, Technika Improwizacji jest stosowana w ćwiczeniach z gotowym tekstem, co rozwija wyrafinowane umiejętności improwizacyjne wzmacniające charakter, emocje, konfliktowość oraz ugodowość, a także poprawia słuch u aktora. W ksążce jest również podany unikalny proces dzielenia scen scenariusza na fragmenty nadające się do improwizacji.

Ponadto podręcznik zawiera sceny filmowe oraz telewizyjne, w których Book szkolił aktorów oraz uczył ich Techniki Improwizacji kreując ich grę aktorską. Sceny te, pokazujące sposoby gry wybrane przez aktorów, demonstrują wykorzystanie Techniki Improwizacyjnej w różnych rodzajach gry. Książka zawiera dobrze znane sceny teatralne i filmowe, oraz sceny z Przedstawień Telewizyjnych takich, jak: Melrose Place, Star Trek: Voyager, Prawnicy z Miasta Aniołów, Frasier, i The Practice.

Technika Improwizacji Book´a jest rozwinięciem pracy Violi Spolin (autorki Improvisation for the Theatre). Book był studentem, asystentem, przedstawicielem Spoli, oraz jej partnerem w Spolin Theatre Game Center w Hollywood, gdzie był dyrektorem wykonawczym oraz głównym nauczycielem w latach siedemdziesiątych.

Stephen Book
Czynny instruktor, nauczyciel i dyrektor. Jest byłym wieloletnim członkiem grona pedagogicznego The Juilliard School oraz University of Southern California. Nauczał również w Stanford, Brown, the Bread Loaf School of English i the Esalen Institute, a obecnie dalej naucza i szkoli na swoich warsztatach w Hollywood. Jego studenci otrzymali Oscary, nagrody Tony, Obie i Grammy.

Od dziś dostępny jest w naszej bibliotece "Podręcznik projektanta gazet" Tima Harrowera. Jest to wyśmienita pozycja dla zainteresowanych problematyką dtp, w której w przystępny sposób zostały przeanalizowane zasady projektowania oraz składu publikacji.

Christopher Vogler odkrywa niezwykle istotny związek pomiędzy mitologią i narracją w swoim przejrzystym, treściwym stylu, który sprawia, że lektura tej książki jest niezbędna dla producentów, scenarzystów, autorów sztuk, pisarzy, nauczycieli i wykładowców oraz fanów kultury popularnej na całym świecie. Odkryj zestaw zainspirowanych mitami paradygmatów, takich jak "Podróż bohatera" i przewodników, które krok po kroku objaśniają kreowanie fabuły i postaci. Zainspirowana pracami Josepha Campbella, Podróż autora jest lekturą obowiązkową wszystkich twórców zainteresowanych rozwojem swojej sztuki.

Christopher Vogler
Jest doświadczonym konsultantem scenariuszy dla największych firm producenckich w Hollywood i szanowanym nauczycielem filmowców i pisarzy na całym świecie. Miał wpływ na powstanie takich historii, jak Król Lew, Podziemny Krąg, Cienka czerwona linia. Jest producentem filmu pełnometrażowego P.S. Your Cat Is Dead i scenarzystą animacji Jester Till.

Kolejny świetny podręcznik trafił do naszej biblioteki. Jego autor - Krzysztof Sztekmiler - w sposób zwięzły i przystępny, a zarazem wysoce kompetentny omawia własności słuchu, parametry dźwięku, obsługę mikrofonów oraz wszystko to, co sprawny dziennikarz radiowy o technice wiedzieć po prostu powinien. Książka z płytą!

Przewodnik dokumentalisty jest pierwszą polską publikacją – podręcznikiem (skryptem) do filmu dokumentalnego. Ciekawa warstwa edytorska ułatwia korzystanie z materiałów w publikacji oraz z materiałów filmowych zamieszczonych na dołączonych 8 płytach dvd. Na płytach prezentowany jest materiał filmowy z ponad 10 lat ćwiczeń warsztatowych z filmu dokumentalnego oraz studenckich etiud dokumentalnych.

Przewodnik dokumentalisty – według mego odczucia – omawia wiele bardzo istotnych, a rzadko tak obszernie poruszanych problemów warsztatowych filmu dokumentalnego. Stanowi wnikliwą, popartą bardzo wieloma trafnymi uwagami warsztatowymi pracę. Uważam, że publikacja ta wykracza znacznie poza granice konwencjonalnego skryptu. Bardzo ważnym segmentem tego tekstu jest podkreślenie wrażliwości niezbędnej w pracy dokumentalisty. Autorka pisze: „U podstaw dokumentalizmu jest ciekawość ludzi i świata. Z tej ciekawości rodzi się często ważny temat, idea, problem przyszłego filmu”. Jestem gorącym zwolennikiem tego poglądu. Istnieje oczywiście wiele innych powodów dla których reżyser pragnie zrealizować swój film, ale z a w s z e jest to echo jakichś obserwacji, przeżyć lub emocji autora, echo c i e k a w o ś c i życia innych ludzi. Inne ważne poruszane w publikacji kwestie to rzetelna dokumentacja, dobry zapis scenariusza, a przede wszystkim umiejętność portretowania bohatera, w którą powinna być wpisana uczciwość i rzetelność.

Kazimierz Karabasz


Książka Grażyny Kędzielawskiej o filmie dokumentalnym jest wyjątkowa – to podręcznik, można tak powiedzieć, napisany latami doświadczenia dydaktycznego w łódzkiej szkole filmowej. Doświadczenia, które zaowocowało kilkudziesięcioma, nagradzanymi na całym świecie, etiudami dokumentalnymi studentów zrobionymi pod jej opieką artystyczną. Grażyna Kędzielawska, jak nikt inny potrafi uczyć dokumentu. Jej unikalny program, zapisany w książce i poparty przykładami etiud, zadań, ćwiczeń, prowadzi krok po kroku przez wszystkie podstawowe zagadnienia przed którymi staje początkujący filmowiec. Nazywa je, opisuje, systematyzuje, odnosi do tego co już w filmie dokumentalnym powstało. To pierwsza tego typu książka w Polsce, niezwykle ważna w czasach niesłychanej popularności tego gatunku filmowego.

Maria Zmarz - Koczanowicz

Grażyna Kędzielawska
Scenarzystka i reżyserka filmów oświatowych i dokumentalnych. Absolwentka Wydziału Grafiki ASP w Krakowie. Wykładowca PWSFTviT, w 2006 roku otrzymała tytuł profesora sztuki filmowej.

Analiza filmów twórcy przebojów kinowych, który zrewolucjonizował sposób filmowej narracji.

Wiele osób zadaje sobie pytanie na czym polega sekret robienia wielkich kinowych przebojów. Chociaż mnóstwo pozycji zostało napisanych na temat kina artystycznego, nie ma praktycznie poważnych analiz filmów komercyjnych. Książką "Reżyseria Steven Spielberg" Warren Buckland zapełnia tę lukę. Rozkłada na czynniki pierwsze niektóre z najsławniejszych dzieł Spielberga, człowieka, który zrewolucjonizował sposób opowiadania filmów i jest jedynym reżyserem na świecie konsekwentnie tworzącym od ponad trzydziestu lat hity kinowe na wysokim poziomie komercji i artyzmu.

"Reżyseria Steven Spielberg" jest obowiązkowym podręcznikiem warsztatu dla reżyserów, operatorów i scenarzystów, ale także pozycją dla wszystkich zainteresowanych kinem, pop kulturą, psychologią, czy po prostu ciekawych odpowiedzi na pytanie: "O co chodzi z tym całym Spielbergiem?".

Reżyseria filmowa czy telewizyjna to zawód wysokiego ryzyka. Zabiera całą twoją uwagę i przykuwa ją w każdym momencie, wymaga zebrania wszelkich środków i zmieszczenia się w pewnych granicach - to najbardziej wymagający spośród wszystkich zawodów związanych z rozrywką. Ale dla wielu reżyserów podekscytowanie, które czują w związku z nowym projektem zamienia się w trwogę, gdy przychodzi czas pracy z aktorami. Reżyserowanie aktorów to metoda tworzenia kreatywnego, opartego na współpracy związku z aktorami, wyciąganie esencji z prób, pomoc przy słabym wykonaniu i dawanie najlepszych reżyserskich wskazówek.

Judith Weston omawia to, co składa się na świetną grę aktorską, opisuje wymagania aktora wobec reżysera, reżyserskie błędy, analizę scenariusza, pracę aktorów i związek między tymi postaciami. Książka oparta jest na dwudziestoletnim doświadczeniu aktorskim autorki i ośmiu latach pracy jako nauczyciel.

Drugie wydanie książki prof. Grzegorza Królikiewicza o jednym z najsłynniejszych filmów świata – „Obywatel Kane” Orsona Wellesa. Reżyser wyjątkowego w historii polskiej kinematografii filmu „Na wylot” analizuje „Obywatela Kane” – oba filmy wyróżnia nowatorstwo języka filmowego i siła ekspresji oddająca oryginalne, indywidualne spojrzenie obu twórców na strukturę filmowej opowieści. Jak pisze autor we Wstępie: Wbrew nadziei, jaką daje wstęp, ta książka nie jest dla tych, którzy filmu nie widzieli i nie chcą zobaczyć.

Grzegorz Królikiewicz to twórca i – co zdarza się rzadko - jednocześnie teoretyk filmu i sztuk wizualnych, który w swojej filmowej i teatralnej praktyce konsekwentnie realizuje sformułowane przez siebie teoretyczne założenia, które możemy odnaleźć m.in. w jego analizach arcydzieł kina światowego. Wyjątkowe odczytanie filmu Orsona Wellesa to także doświadczenie wspólnej pracy nad filmem studentów i profesora, który w latach 1976-1991 prowadził na Wydziale Reżyserii PWSFTviT w Łodzi oraz na Uniwersytecie Łódzkim zajęcia "Analiza dzieła filmowego". To setki godzin wspólnie spędzonych nad stołem montażowym i w sali kinowej łódzkiej Szkoły Filmowej. To wielokrotna, dogłębna, rodząca się w dyskusji i w „teoretycznych starciach”, analiza prawie każdej sceny wyjątkowej w swojej strukturze filmowej opowieści o władzy, o jej upadku, o opowieści o rodzeniu się tejże „opowieści” i o odwiecznym pytaniu o sens poszukiwania prawdy.

Jak pisze Krzysztof Świrek o całokształcie twórczości reżysera: Maksymalny program Królikiewicza, wykorzystany przez współczesnych czy nie, podjęty czy zapomniany, pozostaje zapisanym śladem tego, jak poważnie można traktować kino.

(www.dwutygodnik.com)

Grzegorz Królikiewicz
Reżyser. W 1962 roku ukończył wydział prawa Uniwersytetu Łódzkiego. W latach 1976-78 kierował telewizyjną Redakcją Faktu. W latach 1981-83 kierownik artystyczny Zespołu Filmowego "Aneks". Od 1981 pracownik naukowy PWSFTviT. W latach 2003-2005 dyrektor artystyczny łódzkiego Teatru Nowego.

(www.filmpolski.pl)

Poznaj każdy aspekt tworzenia scenopisów obrazkowych dzięki książce Storyboard - ruch w sztuce filmowej. To kompendium nauczy cię, jak stworzyć fantastyczne storyboardy za pomocą przykładowych rysunków, praktycznych instrukcji i gotowych scenopisów. Dowiesz się również, jak wejść w świat filmowy i zdobyć wymarzoną pracę, a wszystko dzięki lekturze rozdziałów poświęconych przygotowaniu swojego portfolio i poradom zawodowców.

W książce znajdziesz też informacje o wykorzystaniu perspektywy, szkicach, użyciu koloru i wiele innych. Podręcznik zawiera również ćwiczenia dla początkujących, wywiady ze specjalistami i setki przykładów z najlepszych produkcji, takich jak: Matrix, Simpsonowie, Król Skorpion, Gwiezdne Wojny, Batman czy Faceci w czerni.

Mark Simon
Związany z amerykańską branżą filmową od ponad 20 lat. Jego doświadczenie obejmuje reżyserowanie i produkcję filmów fabularnych i animowanych, nadzorowanie efektów wizualnych a także tworzenie storyboardów. Brał udział w ponad 2,5 tys. produkcjach (filmy, seriale, reklamy) i zdobył ponad 40 międzynarodowych nagród. Autor książek "Storyboard - ruch w sztuce filmowej", "Facial Expressions - A Visual Reference for Artists.", "The Thriving Artist" oraz "Producing Independent 2D Character Animation". Współtwórca komputerowych programów do tworzenia animacji. Udziela wykładów na całym świecie i regularnie publikuje artykuły w "Animation Magazine", "Animation World Network" oraz w "Cinefex", "Bizjournals" i "MovieMaker Magazine".

Po 23 latach znów w księgarniach! Najważniejsza w historii książka poświęcona fotografii.

Wybitna amerykańska intelektualistka bada znaczenie i funkcję fotografii we współczesnym świecie. Czym w swej istocie jest fotografia? Jakie są jej związki z malarstwem i sztuką? Jak zjawisko fotografii zmieniło nasz sposób postrzegania świata? W jakim stopniu fotografia interpretuje rzeczywistość? Jaka jest relacja między fotografem i obiektem oraz między zdjęciem a patrzącym? Na czym polega współczesny heroizm widzenia? Z jakich powodów sięgamy po aparat fotograficzny? Dlaczego skłonni jesteśmy przechowywać zdjęcia bliskich nam osób?

Autorka analizuje prace wybitnych fotografów, przytacza teksty pisarzy i filozofów, ale pisze również o fotografowaniu jako części codziennego życia, swoistym społecznym rytuale, starając się zrozumieć jego funkcję i sens. Głośna książka Susan Sontag to nie tylko zbiór błyskotliwych esejów o fotografii, lecz też pasjonująca, wnikliwa analiza współczesnego świata. Bo przecież, jak sama pisze, „zbierać fotografie to zbierać świat”.


Niezwykle ważna i oryginalna książka. Wszystkie przyszłe dyskusje na temat roli fotografii będą musiały zaczynać się od niej.

John Berger

Susan Sontag (1933–2004)
Jedna z najważniejszych intelektualistek dwudziestego wieku. Jej znakiem rozpoznawczym były zawsze niezależność myśli i pełne pasji zaangażowanie. Autorka ważnych tekstów, które podważały przyjęte sposoby myślenia i wyznaczały nowe horyzonty humanistyki: Przeciw interpretacji, O fotografii, Notatki o kampie, Choroba jako metafora naszych czasów, AIDS jako metafora. Pisała także powieści, m.in.: Zestaw do śmierci, Miłośnik wulkanów, W Ameryce. Obrończyni praw człowieka, występowała przeciw wojnie w Wietnamie, w czasie stanu wojennego wspierała „Solidarność”, a w 1993 roku w oblężonym Sarajewie wystawiła Czekając na Godota. Zawsze niepokorna, odważna i nieznosząca schematycznych uproszczeń, w ostrym tekście sprzeciwiła się propagandzie uprawianej przez rząd Busha po atakach z 11 września.

Światło w filmie" jest niezastąpionym przewodnikiem po fascynującym świecie filmowego światła. Książka szeroko nakreśla wszelkie aspekty techniczne, estetyczne i praktyczne oświetlenia filmu. Jest to podręcznik, który pokaże nie tylko jak oświetlać, ale również wyjaśni dlaczego. Napisany przez doświadczonego profesjonalistę, autora branżowej biblii Cinematography, analizuje teorię światła i koloru, opisuje wyposażenie i techniki które sprawiają, że każda scena wygląda najlepiej jak może.

Książka uczy zarówno o historii oświetlenia, jak i przedstawia nowoczesny sprzęt i techniki HD. Od pierwszych stron wiadomo, że mamy do czynienia z profesjonalnym, rzeczowym tekstem, pisanym nie przez teoretyka, lecz specjalistę i operatora.

Autor opisuje tajniki pracy oświetleniowca przy użyciu wielu ilustracji, zdjęć i poręcznych diagramów. Wybierz się z nami w podróż na plan filmowy, gdzie autor demonstruje procedury techniczne i objaśnia działanie sprzętu w konkretnych ujęciach.

Blain Brown
Reżyser, operator i scenarzysta. Autor zdjęć do takich obrazów jak Shadow Fury, Kamasutra - opowieść o miłości II, Cult Life i wielu innych. Autor m. in. takich pozycji, jak Cinematography: Image Making for Cinematographers, Directors, and Videographers, Filmmaker's Pocket Refference.

"Nr 1" w USA i na świecie. Przetłumaczony na kilkanaście języków, obowiązkowy podręcznik wszystkich studentów szkół filmowych i unikalne kompendium wiedzy dla producentów filmowych. Wielokrotnie wznawiana na świecie edycja - po raz pierwszy wydana w wersji polskiej! Bezcenne źródło profesjonalnej wiedzy, pomysłów i wskazówek na każdym etapie przygotowania i realizacji produkcji - od opracowania biznes planu, wyboru i analizy scenariusza, strategii negocjowania kontraktów do produkcji i marketingu projektu... "Sztuka produkcji filmowej" wyjaśnia wszystko co musisz wiedzieć, aby odnieść sukces jako producent.

Podręcznik kładzie główny nacisk na tradycyjne praktyki i umiejętności biznesowe potrzebne w branży filmowej. Trafne anegdoty oraz nieocenione rady eksperta przemysłu filmowego umożliwią ci prowadzenie trwałego, nowoczesnego i dochodowego biznesu zarówno na lokalnym, jak i na międzynarodowym rynku. Będziesz zaglądać do niej za każdym razem, gdy nadejdzie pilna potrzeba, bądź trudny do rozwiązania problem. To, co najtrudniejsze, to ustalenie polskich standardów - "Sztuka produkcji filmowej" została drobiazgowo przystosowana na potrzeby polskiego czytelnika - sprawdzona przez najlepszych producentów, polecana i dostosowana przez znakomitych, rodzimych filmowców.

Gregory Goodell
Jest wielokrotnie nagradzanym scenarzystą, producentem i reżyserem, który oddał swoje zasługi zarówno przy tworzeniu filmów, dokumentów, filmów telewizyjnych, jak i seriali. Wykładał i nauczał w między innymi w Amerykańskim Instytucie Filmowym.

Pierwszy profesjonalny podręcznik dla reżyserów! W pełni integruje techniczne aspekty reżyserowania kinowego z metodami praktycznymi kierowania aktorami, głęboko i dokładnie bada, jak te dwa zasadnicze aspekty sztuki reżyserskiej działają razem. Z perspektywy pomyślnej pracy z aktorami oraz zaawansowanych technicznie wartości produkcyjnych został przedyskutowany kompletny proces reżyserowania, począwszy od napisania scenariusza aż do dostarczenia ukończonego projektu. Autor - reżyser z ponad piętnastoletnim doświadczeniem - analizuje każdy aspekt przygotowań i podejmowania decyzji, wraz z solidnymi informacjami podstawowymi, praktycznymi sugestiami oraz czytelnymi ilustracjami. Podręcznik każdego reżysera.

Tematy zawarte w książce obejmują m.in.:
- przygotowanie projektu
- analizę scenariusza
- wybór i pracę z zespołem produkcyjnym
- przesłuchania i obsadę
- przygotowanie scenopisu
- używanie języka gry aktorskiej
- pracę z zespołem
- zrozumienie stylów kinowej gry aktorskiej
- prowadzenie prób
- blokowanie kamery oraz ruchy aktora
- improwizację
- pracę z planami reklamowymi
- Hollywoodzki styl kontynuacji
- wybór ujęć kamery oraz oświetlenie
- reżyserowanie przy użyciu wielu kamer
- przygotowanie do codziennych zdjęć
- montaż i pracę z montażystami

Tom Kingdon
Reżyser o piętnastoletnim doświadczeniu, pracował nad kilkoma uznanymi produkcjami teatralnymi, licznymi filmami dokumentalnymi, programami dla dzieci, oraz ponad dwustoma epizodycznymi dramatami (łącznie z EastEnders). Pracował również jako Pierwszy Asystent/Kierownik Produkcji dla Johna Schlesingera, Rolanda Joffe, Alana Clarka, oraz wielu innych znanych reżyserów. Wykładał w szkołach i na uniwersytetach w Anglii i Ameryce, a obecnie jest profesorem nadzwyczajnym w Emerson College, Boston.

Podręcznik Lawrenca Grobela uczący niezwykle trudnej sztuki przeprowadzania wywiadów. Autor jako jedyny poskromił odwieczną regułę milczenia filmowego Ojca Chrzestnego — Marlona Brando. Na podstawie rozmów z osobistościami świata show biznesu, Grobel krok po kroku udziela szczegółowej instrukcji przeprowadzania skutecznego wywiadu: od fazy przygotowania, formułowania pytań, aż do formy ostatecznej. Jedyny tego typu podręcznik Mistrza okrzykniętego "Mozartem przeprowadzania wywiadów". Dla dziennikarzy, pasjonatów kina oraz wszystkich chcących w życiu prywatnym umiejętnie prowadzić rozmowy lub negocjacje.
Grobel ujawnia najbardziej pamiętne historie ze swojej kariery, wraz z przykładami najciekawszych momentów z listy wywiadów z jego sławnymi rozmówcami, począwszy od aktorów nagrodzonych Oscarem oraz laureatów nagrody Nobla do pisarzy nagrodzonych nagrodą Pulitzera oraz gwiazd sportu. "Sztuka wywiadu. Lekcje Mistrza" jest ucztą zarówno dla dziennikarzy doskonalących swój warsztat jak i kinomanów spragnionych zaskakujących wypowiedzi swoich filmowych idoli.

Lawrence Grobel
Wielce uznany w kołach dziennikarskich, obwołany przez Magazyn Playboy "Najlepszym wśród dziennikarzy przeprowadzających wywiady", autor poczytnych biografii Trumana Capote, Marlona Brando, James'a Michenera, rodziny Houston, oraz licznych wywiadów przeprowadzonych na zlecenie dzienników i magazynów m.in. Playboy, New York Times, Newsday, Rolling Stone, Entertainment Weekly, Reader's Digest, Details, TV Guide, Redbook, Cosmopolitan, Penthouse, Diversion, Writer's Digest. Przez trzydzieści lat kariery podejmował trudne tematy, otwierając swoich rozmówców i nakłaniając ich do szczerych zwierzeń. Wielokrotnie nagradzany za swoje osiągnięcia. Mieszka w Los Angeles i wykłada sztukę przeprowadzania wywiadów na UCLA.

Dlaczego cięcia się udają? Niezapomniana i jedyna w swoim rodzaju podróż po estetyce i praktycznych problemach montażu filmowego. Pierwsze polskie wydanie książki Waltera Murcha - guru edycji filmowej, wielokrotnie nagrodzonego przez Brytyjską oraz Amerykańską Akademię Filmową za montaż filmu i dźwięku między innymi takich filmów jak: Czas Apokalipsy, Ojciec Chrzestny II i III, Angielski Pacjent, Uwierz w Ducha, Utalentowany pan Ripley. Tylko dla zawodowców i zapaleńców? Nie! Dla wszystkich kochających kino!

"W mgnieniu oka..." to głośna, sugestywna i skłaniająca do myślenia książka na temat montażu filmowego. Autor wyjaśnia, na czym polegają m.in. ciągłość ekranowa lub jej brak, sen i jawa, kryteria decydujące o powodzeniu cięcia. Całość przeplatana rozważaniami autora na temat obecnej sytuacji montażu filmowego.

Walter Murch
Montażysta, realizator dźwięku, reżyser i scenarzysta. Uhonorowany przez Brytyjską i Amerykańską Akademię Filmową za montaż obrazu i dźwięku. W 1997 roku otrzymał dwa w pełni zasłużone Oscary za montaż filmu i dźwięku w Angielskim pacjencie (1996, reż. A.Minghella). Siedemnaście lat wcześniej otrzymał Oscara za najlepszy dźwięk do filmu Czas Apokalipsy (1979, reż. F. Coppola), był też nominowany przez Brytyjską i Amerykańską Akademię za montaż obrazu do tego samego filmu. Murch zdobył podwójną nagrodę Akademii Brytyjskiej za montaż filmu i dźwięku do Rozmowy (1974, reż. F. Coppola), nominowany przez obie akademie za najlepszy montaż w filmie Julia (1977, reż. F. Zinnemann), a w roku 1991 otrzymał dwie nominacje do Oscara za najlepszy montaż w filmach Uwierz w Ducha (1990, reż. J. Zucker) i Ojciec Chrzestny III (1990, reż. F. Coppola) Murch zdobył uznanie za montaż filmów: Nieznośna lekkość bytu (1988, reż. P. Kaufman), Dom z kart (1993, reż. M. Lessac), Krwawy Romeo (1994, reż. P.Medak), Rycerz Króla Artura (1995, reż. J. Zucker), Utalentowany Pan Ripley (1999, reż. A. Minghella), Wzgórze nadziei (2003, reż. A. Minghella) oraz Jarhead. Żołnierze Piechoty Morskiej( 2005, reż. S. Mendes). Figuruje również jako operator dźwięku filmów Ludzie z deszczu (1969, reż. F. Coppola), THX 1138 (1971, reż. G. Lucas), Ojciec chrzestny (1972, reż. F. Coppola), Amerykańskie graffiti (1973, reż. G. Lucas), Ojciec chrzestny II (1974, reż. F. Coppola), Crumb (1994, reż. T. Zweigoff). Zaangażowany był ponadto w montaż nowych wersji filmów Dotyk zła (1998 r.) Orsona Wellesa i Czas Apokalipsy: Powrót (2001 r.) Francisa Coppoli. Współpracował przy tworzeniu scenariusza do THX 1138 w reżyserii George'a Lucasa i The Black Stallion (1979, niewymieniony), filmu wyreżyserowanego przez Carrolla Ballarda, reżyserował też film Return to Oz wytwórni Walta Disney'a z roku 1985 i współpracował przy jego pisaniu.

Są to wspomnienia reżyserów i  montażystów na temat montażu na taśmie światłoczułej. Refleksja na temat dzisiejszych technik montażu.

Lidia Zonn
Jest profesorem sztuki filmowej, wykłada w PWSFTviT w Łodzi. Ceniona montażystka, która pracowała z najwybitniejszymi dokumentalistami polskiej kinematografii, m.in. Krzysztofem Kieślowskim, czy Kazimierzem Karabaszem.

Pozycja dotycząca sztuki montażu filmowego. Wybór tekstów uświadamiający - jak twierdzi autorka - czym może być montaż, jak ważną pełni rolę, do jakiego stopnia wpływa na ostateczny kształt filmu.

Lidia Zonn
Jest profesorem sztuki filmowej, wykłada w PWSFTviT w Łodzi. Ceniona montażystka, która pracowała z najwybitniejszymi dokumentalistami polskiej kinematografii, m.in. Krzysztofem Kieślowskim, czy Kazimierzem Karabaszem.